Pintar entre la máquina y la mano

Durante parte de mayo de 2023, el arte abstracto de Lydia Dona se pudo ver en tres exposiciones distintas en Nueva York, cada una de las cuales ofrecía una perspectiva diferente de lo que ha estado haciendo desde 2008, 30 años después de que se mudara a Nueva York a fines de la década de 1970 desde Jerusalén y comenzó a hacerse un nombre. Aunque Dona tuvo su primera exposición individual en Nueva York en 1979, no comenzó a exponer regularmente hasta mediados de los años 1980, cuando la atención del mundo del arte estaba dominada por el neoexpresionismo y el neogeo, y muchos artistas estaban representando el final de su carrera. Modernismo.

Desde mediados de los 80 hasta principios de los 90, Dona expuso a menudo en Nueva York, pero sus exposiciones se volvieron más esporádicas después de eso y su trabajo nunca adquirió una marca, como el de otros de su generación, como Peter Halley. Con sus tres exposiciones de mayo, incluida una colectiva, Schema: World as Diagram en la Marlborough Gallery, curada por Raphael Rubinstein y Heather Bause Rubinstein, tuve la oportunidad de obtener una nueva perspectiva de una artista muy conocida de los años ochenta.

En el catálogo que acompaña a Schema: World as Diagram, Raphael Rubinstein escribió:

Dona está preocupada por el entorno urbano. Se trata de pinturas creadas con un agudo sentido de la infraestructura invisible que mantiene una ciudad en funcionamiento y, aún más, de las constantes averías de los sistemas urbanos. En su propia diversidad de fuentes, su multiplicidad de lenguajes superpuestos, veo las pinturas de Dona como reflejos del lugar donde fueron realizadas, la ciudad de Nueva York, este sitio dinámico de “compromisos límite”.

Dona comenzó a exponer a mediados de los años 80 y su trabajo se vio en conexión con Jonathan Lasker, Fabian Marcaccio y David Reed, artistas interesados ​​en la relación entre la aplicación directa de pintura y la presentación fotográfica, el original y la copia. entre otras cosas. Dentro de todos estos planteamientos había una preocupación por lo artesanal y lo mecánico. Con su trabajo y vocabulario visual, Dona llega directo al meollo del problema, la relación entre la máquina y la mano. Sus pinturas aúnan abstracción y representación, la marca dibujada a mano y la imagen proyectada. A través de su entrelazamiento y variedad de aplicaciones de pintura, llega a una conclusión sobre las posibilidades de la pintura, en gran parte porque le gusta la mutabilidad de la pintura: lo que se puede lograr cuando se combinan aceites, acrílico, esmalte, pintura metálica y polvo de óxido de hierro laminado, todos los cuales están en “Alto Impacto” (2016).

Los nueve grandes cuadros de la exposición Lydia Dona, instalados en el atrio del vestíbulo de 375 Hudson Street, comisariada por Jay Grimm, datan de 2008 a 2018. En el más grande, “From Heat to Sub-Zero” (2008), el artista define el territorio que ha explorado desde entonces, utilizando imágenes derivadas de manuales de automóviles en combinación con diferentes tipos de pintura. Si bien la observación de Rubinstein ofrece una buena manera de entender lo que Dona está haciendo, no va lo suficientemente lejos, lo que puede ser una de las razones por las que su trabajo no es considerado por la mayoría en el mundo del arte al mismo nivel que Peter Halley y Jonathan Lasker. No ha priorizado la teoría crítica en su trabajo. No ha publicado un libro de ensayos ni emitido un manifiesto, ni ha adherido su obra a una narrativa crítica.

Dona crea dibujos lineales de motores de automóviles, piezas mecánicas, dispositivos y tubos, generalmente utilizando un retroproyector. La imagen puede superponerse a un campo abstracto, que probablemente esté compuesto por capas y áreas formalmente distintas que van desde el contraste gráfico (claro a oscuro) hasta cambios tonales (es decir, naranja contra rojo óxido en “From Heat to Sub-Zero”). ”). Puede oscurecer parcialmente la imagen con una salpicadura o una marca gestual, creando fricción entre imagen y marca, lo mecánico y lo hecho a mano, control y entrega. Pero sus yuxtaposiciones, capas y superposiciones nunca parecen arbitrarias; ella resuelve todo en un proceso de pintura que parece abierto en lugar de formulado. Explota las propiedades particulares de su medio de manera que unen los elementos dispares.

En “Platinum Journeys” (2016), un charco espeso e incrustado de esmalte negro en la parte media superior del lienzo contrasta fuertemente con el resto de la pintura. A diferencia de lo que parecen carretes toscamente dibujados y un cigüeñal, una imagen lineal parcialmente oscurecida cerca del charco no es fácilmente identificable. ¿Es mecánico u orgánico?

Un viaje a Nueva York en 1915 inspiró a Francis Picabia a centrarse en la maquinaria y atribuyó su exploración de los dibujos de máquinas a su experiencia en los Estados Unidos. Después de mudarse a Nueva York, Dona comenzó a explorar las consecuencias de lo que Picabia llamó "el genio del mundo moderno". ¿El charco negro se refiere a los residuos que hemos producido en nombre de la modernidad? ¿Es una fuga de una máquina o una indicación de que la máquina se ha averiado? ¿Las cámaras y los motores están intentando revivir la pintura?

La ambigüedad que encontramos en la obra de Dona es un reflejo fiel de su propia incertidumbre profundamente arraigada con respecto a las posibilidades de la pintura, así como de su resistencia a llegar a conclusiones sobre los fracasos del modernismo. Durante más de tres décadas, esta ambigüedad ha generado enigmáticas abstracciones que unen partes legibles e indescifrables. Dona trata diferentes aspectos de la abstracción, incluidos los gestos y el monocromo, de manera similar a los manuales de las máquinas, como material encontrado. Lo que hace que su trabajo sea más que una serie de apropiaciones es su amor por la pintura, tanto como material como como proceso.

Schema: World as Diagram continúa en Marlborough Gallery (545 West 25th Street, Chelsea, Manhattan) hasta el 11 de agosto. La exposición fue comisariada por Raphael Rubinstein y Heather Bause Rubinstein.

Lydia Dona continúa en 375 Hudson (375 Hudson Street, Soho, Manhattan) hasta febrero de 2024. La exposición fue comisariada por Jay Grimm.

John Yau ha publicado libros de poesía, ficción y crítica. Sus últimas publicaciones de poesía incluyen un libro de poemas, Further Adventures in Monochrome (Copper Canyon Press, 2012), y el libro de capítulos, Egypt... Más de John Yau